Por: Thelma Morales García
Para algunos escritores dos pasiones se entrecruzan: las letras y la pintura; son considerados artistas de doble talento debido a la calidad de sus composiciones con la pluma y el pincel. Hay que decir que no todas las obras de estos autores son excelentes, sin embargo, muchas veces son apreciadas porque proceden de un autor que quizá ha marcado la vida de sus lectores, y causa intriga conocer esa otra parte del talento de reconocidos escritores.
Víctor Hugo es recordado como poeta, novelista y dramaturgo, sus obras más conocidas son “Los miserables” y “Nuestra Señora de París” y es considerado como la mayor gloria que han dado las letras francesas al mundo. Pero pocos saben de su extraordinaria calidad para el dibujo y la pintura, donde mostraba una gran sensibilidad para expresar a través de sus pinturas ciertas facetas de lo humano y lo pintoresco, por ejemplo, predominan en ellas un gusto por la muerte, donde muestra camposantos de gran colorido.
Federico García Lorca, cuando dibujaba se mostraba asimismo como un niño jugando a dibujar, pues sus dibujos son sencillos pero nos impresionan al verlos, en la Residencia de estudiantes donde estudió, tuvo como compañeros a Salvador Dalí y a Rafael Alberti quien también pintaba, podría pensarse que Lorca pudo influenciarse de sus amigos por el gusto de la pintura, pero muchas veces él mismo apelaba a la pintura en un afán de alcanzar el clímax de su fuerza expresiva, que más tarde encontraremos en su propia obra poética.
Alberti recordaría años después como le habían impresionado los dibujos de Lorca y sobre los que escribió: “Cuando cogía unos lapicillos de colores o la misma pluma con la que escribía sus poemas, seguía teniendo una frescura de fontana, una gracia como de juego en la calle, de sonrisa de patio, de gallo de veleta, de todo aquello que había visto –u oído– no sabía cuándo con los ojos de su niñez granadina: jarrones con peces y flores, vírgenes atravesadas por puñales, niñas en las ventas y azoteas, ángeles de las torres, manolas, arlequines, bandoleros y marinerillos ebrios y enamorados, todos los temas y figuras de su poesía lírica y dramática, hasta el momento del Romancero gitano, un año antes de irse a Nueva York, época en que cambia su estilo, contagiado sin duda por la atmósfera surrealista que ya se expendía por casi toda Europa.”
Günter Grass, comenzó a los 21 años su formación de artes gráficas, plásticas, y escultura en la Escuela de Bellas Artes de Düsseldorf. Pese a que fueron sus obras escritas, como el libro “El tambor de hojalata”, los que lo hicieron famoso, Grass nunca dejó de dibujar, por eso no es extraño que antes de publicar su primer libro, presentó su primera exposición en 1955.
A partir del año de 1972 se dedica a las artes gráficas comenzando con los grabados para más tarde pasar también a las litografías. Las obras escritas de Grass como los poemas, novelas u obras de teatro con frecuencia son acompañados por dibujos y gráficas. En sus propias palabras, Grass considera que: “La obra gráfica corre paralela a la prosa. Son mundos artísticos distintos que responden a criterios estéticos. En algunos casos, mis dibujos reflejan acontecimientos de la vida. Por ejemplo, durante los seis meses que pasé en Calcuta, sólo pude pintar. No podía expresarme de otra manera: los hombres viviendo de la basura, en la basura de la sociedad, convertidos ellos mismos en basura. Pero la mayoría surge de un universo de imaginación y fantasía”, por su obra literaria obtuvo el Premio Nobel de Literatura en 1999
Herman Hesse; nació en Alemania, poeta, lingüista y escritor de libros como: “Demian”, “Siddaharta” y “El lobo estepario”, en sus primeros años de vida estuvieron marcados por una educación religiosa de la que escapaba paseando por lo bosques cercanos a su casa, donde soñaba con el lago, la pradera, los pájaros. En una carta dirigida a Georg Reinhart en 1924 comentó lo siguiente: “En estos años, desde que me dedico a pintar, me he ido distanciando de la literatura (…), hacia la que no habría sabido tomar otro camino. Que además lo pintado tenga por sí mismo algún valor o no, es algo totalmente secundario. En el arte, al contrario de lo que sucede en la industria, el tiempo no desempeña ningún papel; hay tiempo perdido cuando sólo al final se alcanza lo posible en intensidad y perfección. “Como poeta, sin la pintura no habría llegado tan lejos”. Las acuarelas de Hesse son hermosas y se pueden apreciar en el Internet, incluso existen lugares que venden las litografías de sus obras pictóricas.
Charles Bukowski quien nació en Alemania en 1920, pero pasó la mayor parte de su vida en la ciudad de Los Ángeles, Estados Unidos, escribió más de 50 libros la mayoría de poesía y su obra es considerada independiente; este escritor murió de leucemia en 1994, pero gracias a la edición de un libro realizado por Seamus Cooney que se titula “Living on luck” podemos admirar sus ilustraciones, además de sus cartas con notas manuscritas, correcciones y dibujos. La expresión que hay en sus dibujos es de gran colorido, pero las figuras que representa parecen salidas de una pesadilla, encontramos rostros descarnados o enfermos.
El pasado 21 de septiembre, desde hace varios años se conmemora el Día Mundial del Artista Plástico como una forma de reconocer su aportación cultural y estética que forma parte de la identidad y memoria de los pueblos, que mejor manera de conmemorarlo que hacer este recorrido de escritores que se acercaron al arte plástico.
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